Als «introvertierte Euphorie» bezeichnete eine bekannte Musikplattform sehr treffend den Stil der in New York lebenden Komponistin und Sängerin Ana Roxanne. Anfang dieses Jahres erschien ihr zweites Album Poem 1 auf dem Chicagoer Label Kranky (Low, Grouper). Dieses spinnt den ästhetischen Faden des Erstlings Because Of A Flower (2020, ebenfalls Kranky) weiter hin zu einer Mischung aus verlangsamten Jazz-Elementen, Minimalismus und vokalen Folk-Formen, geprägt von einem Gespür für Ambient-Musik. Die Stücke auf Poem 1 fungieren wie eine Katharsis, finden Hoffnung in der Subtilität, Langsamkeit und rauchigen Traurigkeit seiner Klavierthemen, dem verletzlichen Gesang und den distanzierten Synthesizer-Drones.

Roxanne wuchs mit einer Faszination für Jazz, R&B und klassische Musik auf, vertieft in das Radioprogramm der Bay Area und die Plattensammlungen ihrer Eltern. Neben der Entwicklung ihres eigenen Stils als Solokünstlerin war Roxanne beteiligt an diversen Kollaborationen. So überarbeitete sie beispielsweise 2021 Beverly Glenn-Copelands zeitlosen Titel «Old Melody» für Keyboard Fantasies Reimagined und kreierte zudem gemeinsam mit dem DJ und Produzenten Brian Piñeyro (alias DJ Python) die breit gefeierte, von Mexican Summer veröffentlichte LP Natural Wonder Beauty Concept.

Auf dem Ende 2025 erschienenen, wunderschönen und mit poetischen Songtiteln versetzten Album +3 kommt das feine Gespür des haitianisch-amerikanischen Sängers und Musikers Samba Jean-Baptiste für grossartiges Songwriting, irgendwo zwischen Fragment und Popsong, zum Vorschein.  Melodien machen es sich mal schneller, mal weniger schnell im Ohr gemütlich. Sein Schaffen lässt sich im Kanon des experimentellen R&Bs verorten und agiert zum Teil an den avantgardistischeren Grenzbereichen der Musik von Blood Orange oder Frank Ocean und erinnert immer wieder an die besten Zeiten von Dean Blunt (ca. Black Metal). Auch das Pitchfork-Magazin schreibt «It’s difficult to listen to (…) without hearing the enormous influence of Blunt and the broader post-Blunt ecosystem across the London underground and in New York, where Baptiste is based». Schwermütige Songs an den Rändern des Pop werden dabei immer wieder mit alltäglichen Klängen wie Sirenen, Hundegebell und Gesprächsfetzen durchsetzt, während Gitarre, Piano, Beats und dann und wann Streicher das Geschehen vorantreiben und so die Basis für Jean-Baptistes sanften und zugleich prägnanten Gesang legen.

Die in Atlanta lebende Produzentin und Songwriterin Abra machte sich bereits Mitte der 2010 Jahre international einen Namen, noch bevor sie mit mehreren namhaften Pop-, Rap- und Dance-Künstler*innen zusammenarbeitete. Ihre starke ästhetische Handschrift aus markanter und leicht nonchalanter Stimme, reduzierten und gleichsam emotionalen Arrangements sowie einer Lo-Fi Produktionsästhetik macht Abra bis heute zu einer wichtigen Impulsgeberin für die Weiterentwicklung des Alternative R&B. Viele ihrer Songs sind prägnante Stimmungsbilder für die auf mehreren Ebenen ästhetisch nachhallenden 10er Jahre.

Abras musikalische Anfänge entsprangen ihrem Umzug nach Atlanta, wo sich die Künstlerin erstmal als Aussenseiterin fühlte. Dies inspirierte sie, Gitarre spielen zu lernen und Songs zu schreiben. Unter dem Spitznamen «Darkwave Duchess» veröffentlichte Abra 2015 das in ihrem Schlafzimmer aufgenommene Album Rose (Awful Records) und erhielt für dieses wie auch für die 2016 erschienene EP Princess viel euphorische Resonanz. Danach veröffentlichte Abra gelegentlich Solosongs und Demos im Internet und war als Gastmusikerin auf Tracks von unter anderem Charli XCX, Gorillaz, Solange oder Bad Bunny präsent. Nach einer längeren Pause gibt die Künstlerin am diesjährigen Full Of Lava ihr Comeback.

Coumba Samba aus New York und im Moment für eine einjährige Residenz wohnhaft in Basel ist eine interdisziplinäre Künstlerin, die sich mit Skulptur, Installation, Musik und Performance beschäftigt. Zusammen mit der Künstlerin Gretchen Lawrence bildet Samba zudem die Girl-Pop-Band New York, mit der die beiden am letztjährigen Full Of Lava für einen memorablen Live-Moment in der Nacht gesorgt haben. Dieses Jahr spielt Samba ein DJ Set am Donnerstagabend – angesiedelt irgendwo zwischen gemütlichem Dancefloor und Listening.

Tony Njoku darf man getrost als Geheimtipp der Londoner Szene bezeichnen. Noch immer scheint es unwirklich, dass sein letztjähriges, selbstveröffentlichtes Album All Our Knives Are Always Sharp nicht auf dem Radar der stilbildenden Kanäle mit ihren Endjahres-Top-50 und -100-Alben wie The Quietus, Pitchfork und The Wire aufgetaucht ist. Nicht nur weil es grossartig ist, sondern auch Gastbeiträge von sage und schreibe Tricky, Ghostpoet, Space Afrika, Gaika und Coby Sey enthält. Mit all diesen Namen verbinden ihn natürlich musikalische Verwandtschaften – die experimentelle elektronische Soundbasis erweitert der britisch-nigerianische Multiinstrumentalist aber durch an Anohni erinnernden Falsettgesang und klassisch arrangierte Piano- und Keyboardparts. Diese transportieren einen Ansatz, der im Erbe der afrikanischen Diaspora verwurzelt und vom Wunsch geprägt ist, klassische Musik inklusiver und dekolonialisiert zu gestalten.

Sieben Jahre sind vergangen, seitdem Kelsey Lu sein*ihr Album Blood veröffentlicht hat – ein barocker, vom Cello getragener Exorzismus mit einer stark präsenten Stimme. Der*die in New York lebende*r Musiker*in, Kelsey Lu, verbindet in seinem*ihrem Schaffen klassische Musik mit Elementen aus Art Pop, R&B, Avantgarde sowie experimenteller Elektronik zu einer höchst eigenen, intensiven musikalischen Ästhetik. Seit je bewegt sich Lu fliessend zwischen Klang, Bild, Heilung und Performance und erweitert so die Möglichkeiten des zeitgenössischen Kunstschaffens. Sein*ihr kreatives Universum umfasst Kooperationen mit Yves Tumor, Jamie xx oder Skrillex und künstlerische Bündnisse mit Nan Goldin, Wu Tsang sowie Marken wie Gucci, Miu Miu und Bottega Veneta.

So Help Me God (Dirty Hit), Kelsey Lu’s zweites Album, beschreibt der*die Künstler*in wie folgt: «In den letzten sieben Jahren ist viel passiert, es gab viel Heilung und Wachstum, aber dies ist nicht wirklich ein Heilungsalbum. Es ist eher eine Abrechnung. Es geht darum, mich den Teilen meiner selbst zu stellen, die ich hinter mir lassen wollte, und zu erkennen, dass sie immer noch alles prägten. Dieses Album zeigt mich, wie ich zu dieser Wahrheit stehe, anstatt zu versuchen, sie zu überwinden.»

Die Entstehung des Albums begleitete Zeiten der Isolation während der Covid-Zeit, mehrere Bewegungen durch verschiedene Städte in Nordamerika und Asien sowie einige spirituelle Deep Dives. Dieses Gefühl der Entstehung zieht sich durch So Help Me God. Klanglich ist es akribisch und filmisch – Licht und Schatten bewegen sich über Drum & Bass-Beats, verzerrte Gitarren, chorartige Klangwellen und düstere elektronische Texturen. Es gibt Anklänge an die Strenge des Post-Punk, andächtigen Minimalismus und Einblicke in Pop im Arena-Format.

Die schweisstreibenden Konzerte der latinx experimental grrrl noise punk rock-Band Blanco Teta sind mittlerweile im ganzen Land bekannt. Genauso gefeiert werden die Soloauftritte der Ausnahme-Cellistin Violeta García (seit der Saison 2026/27 Associated Artist der Dampfzentrale Bern), die den prägnantesten Part der Musik des Quartetts mit Sitz in Buenos Aires ausmacht, da Cellospiel – anstatt der Genre-typischen Gitarre – in rabaukenhaftem Punk Rock eine Aussergewöhnlichkeit darstellt, auch wenn dies bei weitem nicht das einzige experimentelle Element in ihrem Soundbild ist. Blanco Teta arbeiten aktiv mit anderen transfeministischen experimentellen Kollektiven innerhalb der aufstrebenden queeren Latinx-Szene zusammen, was sie zu einer wichtigen Stimme in der zeitgenössischen experimentellen Rockmusik macht. Sie spielen am Full Of Lava Festival einen von nur wenigen Liveauftritte 2026.

Cõvco ist eine in London lebende, kongolesisch-britische Künstlerin, DJ und Performerin. Ihr künstlerisches Schaffen verbindet Performance, Poesie, visuelle Kunst und experimentelle elektronische Musik. Cõvco hostet ihre eigene Sendung «Surrender» auf NTS Radio, tritt international in der Club- und Kunstszene auf und hat sich mittlerweile nebst London in Dance-Communities an verschiedenen Orten der Welt einen Namen gemacht. Ihre prägnanten Sets gleichen einem grenzenlosen Soundclash aus experimentellen, verzerrten Club-Beats, oftmals gemischt mit melodischen Live-Gesängen und A-cappella-Edits. Von energiegeladenen Rhythmen bis hin zu malerischen Reisen – ihre Mixes schöpfen aus der Antike, der Folklore und der Zukunft.

Mit KUKII schlägt die französische Musikerin, Produzentin und Regisseurin Yasmine Dubois ein neues Kapitel ihres Schaffens auf, hervorgegangen aus dem Herzen der geschäftigen Strassen Kairos. Nachdem sie sich unter dem Namen Lafawndah mit einer eigenwilligen Verbindung aus Avant-Pop, experimenteller Elektronik und R&B international etabliert hatte, richtet sie ihren Blick nun verstärkt auf ihre ägyptischen Wurzeln. Das Projekt KUKII verbindet die Energie des Mahraganat mit futuristischer Clubmusik, Hyperpop und elektronischer Klangkunst zu einer kompromisslosen, körperlichen Klangsprache. Treibende Percussion, verzerrte Synthesizer, traditionelle Instrumente und markante Vocals verschmelzen zu einem dichten, rhythmisch aufgeladenen Sound, der urbane Intensität mit avantgardistischem Pop kombiniert. Der Wechsel zu KUKII markiert dabei keinen Bruch, sondern eine konsequente Weiterentwicklung ihrer künstlerischen Vision: Persönlicher, direkter und stärker in den musikalischen Traditionen Kairos verwurzelt.

Aunty und Noblesse sind das Herz und die Seele der aufstrebenden Band Sirens Of Lesbos aus Bern. Nach Live-Tourneen durch die EU und Großbritannien bringen sie nun diese globale Energie ans DJ-Pult: Die DJ-Sets von Aunty und Noblesse sind tief in der Diaspora-Underground-Szene verwurzelt – sie verweben UK-Funky, ägyptischen Mahraganat, karibischen Dembow, ostafrikanischen Shaabi und mehr zu unvorhersehbaren, die Tanzfläche zum Beben bringenden Reisen. Sirens Of Lesbos schlagen mühelos eine Brücke zwischen Generationen und Genres. Jedes Set ist ein Gemeinschaftserlebnis, ein Ort, um wieder zueinanderzufinden, neue Energie zu tanken und gemeinsam zu tanzen.

Die in New York lebende Musikerin und Komponistin Dagmar Zuniga macht Musik, die sich zugleich intim und weitläufig anfühlt. Ihre Songs schweben wie gestörte Signale dahin, getragen von Harmonien, Bandrauschen und einem ausgeprägten Gespür für Textur. Zunigas Debüt, in filth your mystery is kingdom / far smile peasant in yellow music, wurde über einen Zeitraum von fünf Jahren in New York, Norwegen, Athen und Georgien geschrieben, aufgenommen und 2025 über Freund*innen auf Bandcamp und Youtube hochgeladen. Das Album erhielt rasch viel positive Aufmerksamkeit, so dass das Londoner Label AD93 (Coby Sey, Joanne Robertson, Moin, james K) filth your mystery is kingdom / far smile peasant in yellow music dieses Jahr nun auch als physischen Tonträger veröffentlicht hat. Auf dem Album entfaltet sich eine eigenwillige Form von experimentellem Folk, die intime Songstrukturen mit einer beinahe traumhaften Klangästhetik verbindet. Der psychedelische Folk und die Lo-Fi-Aufnahmetechnik erinnern an 1970er-Avant Folk-Ikonen wie Vashti Bunyan oder Linda Perhacs. Am Full Of Lava spielt Dagmar Zuniga ihr erstes Konzert in der Schweiz.

Vaseline ist ein noch sehr frisches Geschwister-Musik-Duo aus London, bestehend aus Enga Perry und RIOT. Electronica, freaky Pop, Attitüde und eine gehörige Portion Absurdität verschmelzen zu einer eigenen kunterbunt-kuriosen Welt, während ihre glitzernde Hit-Single «Shiny Things» das Internet erobert.

Kiss Facility ist das Duo aus der ägyptisch-emiratischen Sängerin und Poetin Mayah Alkhateri und dem irisch-chilenischen Musiker und Produzenten Salvador Navarette (aka Sega Bodega). Die künstlerische Praxis von Kiss Facility ist in spiritueller Suche verwurzelt und greift Themen wie übersinnliche Wahrnehmung, rituellen Schutz, Intimität und das Leben nach dem Tod als Kraft des zukünftigen Schicksals auf.

Klanglich bewegt sich das Projekt am Rande des modernen Shoegaze, aufgebaut auf dichten Gitarrenklängen und verträumten Vocals. Kiss Facility greift diese vertraute Ästhetik des Genres auf und lenkt sie durch arabische Lyrics und private Mythologien, die in der alternativen Musik selten im Vordergrund stehen, in neue Bahnen.

Ihr im März via Sega Bodegas Label Ambient Tweeds veröffentlichtes Debutalbum KHAZNA (was so viel wie Tresor, Gewölbe oder Schatzkammer bedeutet) bezieht sich auf das, was verborgen bleibt. Das Album lädt zum Zuhören als Akt des Aufdeckens ein und schließt durch die Themen der Erkundung den Kreis. Entstanden durch zwei Menschen, die gemeinsam in der Geborgenheit ihres Zuhauses leben und arbeiten, wirkt KHAZNA eher wie ein gemeinsames Erlebnis als eine Aufführung.

Blackhaine aka Tom Heyes‘ künstlerisches Schaffen ist ein hybrides Zusammenspiel von Drill- und Noise-Musik, experimentellem Rap, Bewegung sowie Szenografie. Dies alles entsteht durch eine höchst radikale Herangehensweise, die einerseits geprägt ist durch das Leben in Nordengland und anderseits inspiriert vom Theater der Grausamkeit – ein Begriff, der auf den Dramatiker und Dichter Antonin Arnaud zurückführt und eine Form des Theaters meint, die nicht den klassischen dramatischen Regeln folgt, sondern für die Schauspieler*innen wie auch das Publikum zu einer körperlichen und emotionalen Erfahrung wird. Die physisch anspruchsvollen Performances von Blackhaine sind dabei intim und konfrontativ zugleich. Im Herbst 2026 erscheint nach längerer Pause zu seinem Debütalbum Armour II (Fixed Abode 2022) das zweite Albumwerk auf einem bekannten, grösseren Label für experimentelle, elektronische Musik, das wir noch geheim halten müssen.

Blackhaine trat bereits im Centre Pompidou in Paris, auf der Biennale von Venedig und im Tate Modern auf. Für die 2024er-Ausgabe des EXPOP Festival der Dampfzentrale Bern schuf der Künstler «Blackhaine : Consumer», eine spezifisch für die Räume der Dampfzentrale gestaltete Performance und somit Uraufführung.

Ashland Mines, besser bekannt unter seinem neuesten Künstlernamen Bobby Beethoven, gehört zu den wenigen DJs, die die CDJs wie ein Instrument spielen und aus Fragmenten dessen, was sich gerade auf ihren USB-Sticks befindet, einzigartige, ausschweifende Kompositionen erschaffen. Er ist ein multidisziplinärer Künstler, Musiker, DJ und gefeierter Veteran der globalen Clubszene, dessen Karriere mittlerweile zwei Jahrzehnte umfasst. So trug er dazu bei, die US-amerikanische Queer-Underground-Club-Szene in ein bewusst chaotisches, unvorhersehbares und genreübergreifendes Terrain zu lenken und prägte damit die Entwicklung dessen, was in den folgenden Jahren als «Deconstructed Club» bekannt wurde.

Früher unter dem Namen Total Freedom bekannt, hat sich Mines einen Ruf als klanglicher Risikoträger erarbeitet, dessen Arbeit oft am Rande der traditionellen Clubmusik angesiedelt ist. Im Mittelpunkt seiner Karriere stehen stets auch die Zusammenarbeit und der Aufbau von Gemeinschaften; zu seiner langen Liste wichtiger Kooperationspartner*innen zählen beispielsweise die beiden Musikerinnen Kelela und Arca. Zudem hat er zahlreiche Modenschauen von Marken wie Telfar, Hood By Air, Diesel, Helmut Lang und Mugler musikalisch untermalt.

Die nationale Trap & guilt princess t_fortuna bietet hochgradig reibungsreiche und vielschichtige Clubmusik-Collagen für feuchte und stickige Dancefloor-Umgebungen. Seit 2018 tritt sie unter verschiedenen Pseudonymen mit Live-Sets auf, die aus eigenen Produktionen, Patchworks, Bootlegs und Edits bestehen, sowie mit DJ-Sets, in denen Elemente aus Trip-Hop, Breakcore und ätherischem Noise miteinander verwoben werden und eine undurchsichtige Pop-Dramaturgie bilden. Am Full Of Lava schliesst t_fortuna die Clubnacht mit einem hybriden Set zwischen DJ und live.

Die Londoner Musikerin Theodora Laird ist die Sängerin und multidisziplinäre Künstlerin hinter dem Projekt feeo. Nach mehreren bereits beachtlichen EP-Releases kam letztes Jahr Goodness, ihr Debütalbum beim Label AD93 (Joanne Robertson, Coby Sey, Olan Monk, james K), in die Welt und bestach sowohl Kritiker*innenstimmen wie auch die alternative Musikszene durch einen sowohl abstrakten, intimen und gleichsam sehr klaren Ausdruck. Da sind verzerrte Synthesizer-Linien, die immer wieder bis hin zu feinstem Murmeln zerhackt sind, Orgelakkorde, die sich ins Unendliche ausdehnen und eine flüsternde Stimme als klares Schlüsselmotiv, das sich durch das Album zieht. Inspiriert sowohl von der Gemeinschaft in Nachtclubs als auch von der Einsamkeit ihres Kinderzimmers spüren feeos Songs nach, wie einzelne Leben gleichzeitig in Isolation sowie in Einheit existieren können.

Goodness ist eine Fundgrube an Exkursionen in den Bereichen Drone, Ambient, Elektronik, Improvisation, minimalistischer Tanzmusik sowie einem Hauch R&B – alles verbunden durch ebendiese Themen der Verbindung und Isolation. Die elf Stücke des Albums sind als zusammenhängendes Werk konzipiert und entfalten eine atmosphärische Dramaturgie zwischen Stille, Spannung und klanglicher Weite, die am Full Of Lava in Form einer Duo-Show zu erleben sein wird.

Hinter dem Namen Grouper steckt die US-amerikanische Musikerin Liz Harris. Sie veröffentlicht seit bald 20 Jahren in unregelmässigen Abständen Alben voller vernebelter und schattiger Songs zwischen experimentellem Folk, pastoralem Pop und geräuschhaftem Ambient. Die Musik ist dabei oft roh, skizzenhaft und rangiert in einem Bereich zwischen akustisch-reduziertem Spiel und effektlastiger Distortion. Die meisten Alben erschienen beim kultigen Label Kranky (Ana Roxane, Deerhunter, Low). Der Name des Projekts ist eine augenzwinkernde Hommage an den Namen der Kommune The Group, in der Harris aufwuchs und in der die Lehren des esoterischen Philosophen George Gurdjieff eine tragende Rolle spielten. Das Magazin Pitchfork schrieb über das letzte Grouper-Album Shade: «It’s hard to think of many musicians who are better at transmuting pop and folk structures into abstract, haunted environments». Auftritte von Grouper sind eine Seltenheit, umso mehr freuen wir uns, dass Liz Harris die Magie des Festival-Sonntagnachmittags bespielen wird.

Die in Arkansas geborene, experimentelle Pianistin wurde innerhalb der letzten Jahre durch ihr extravagantes, im besten Fall eigenwilliges und mehr als bahnbrechendes Spiel auf vier Keyboards gleichzeitig zu einem Internet-Darling. Tucker arbeitete noch wenige Monate, bevor sie auf Instagram und TikTok viral ging, als Kellnerin und Klavierlehrerin. Seitdem reist sie regelmässig nach New York City, Berlin oder Paris, um beispielsweise bei Solange Knowles’ «Saint Heron»-Buchvorstellung oder Telfars intimer Show aufzutreten, ist aber nach wie vor als Klavierlehrerin tätig. Und oh boy, ziemlich sicher würden viele Menschen Berührungsängste vor einem der «holy grails» der klassischen Musik verlieren, kämen sie in den Genuss von Tuckers Klavierunterricht. So meinte die Künstlerin gegenüber dem Kunst- und Modemagazin Dazed kürzlich: «Ich liebe klassische Musik, aber ich frage mich einfach, ob wir das gesamte Archiv aller Musik einbeziehen, die jemals dokumentiert wurde». Genau dieser Gedanke ist es, der den Output von Tucker auf den Punkt bring und so faszinierend und lustvoll macht. Ihr Spiel scheint unglaublich intuitiv, furchtlos, verspielt. Sie vermag es, Elemente der Klassik und Popkultur, die so weit weg voneinander scheinen, mit grösster Leichtigkeit zu verbinden und kreiert so eine ganz eigene, überraschende Ausdrucksform. Am Full Of Lava sorgt Precious Renee Tucker für einen krönenden Festivalabschluss mit dem letzten Konzert am Sonntagabend.

Studio Mondial ist die monatliche Sendung auf Radio Bollwerk von Trillion Tapeman, Heiko, Kia Mann und NIKKO. Die Freude an Musik, Neugierde und die Suche nach der perfekten Ästhetik und dem Widerspruch. Das Forschen, die Lust am Aussergewöhnlichen und an den Nischen ist Programm, das Ablehnen von Grenzen eine Haltung. So wird das Überschreiten und Hinter-sich-Lassen zum Konzept, wird das Unvorhergesehene zu einem spannenden und erwünschten Mitspieler jeder Sendung.